Tři století mistrovských autoportrétů Anguissoly, Leysterové a Labille-Guiardové – každý z nich patří k těm nejlepším dílům
Autoportréty patří k nejvíce odhalujícím, pronikavým a intimním dílům, která může umělec vytvořit. Základním prvkem pro ztvárnění takového obrazu je zrcadlo. Zrcadla se sice používala již ve starověku, ale teprve v renesanci se rozšířily kvalitnější a levnější verze. Tento vývoj probíhal souběžně s rostoucím uměleckým experimentováním s autoportréty. Umělci zkoušeli zobrazovat sami sebe jako postavy na skupinových historických a náboženských obrazech, včetně Rafaelova vložení své tváře do Athénské školy, i sólové pózy, jako byly Rembrandtovy autoportréty v různých médiích, které dohromady čítají téměř 100 děl.
V 16., 17. a 18. století bylo málo aktivních malířek, natož těch, které dosáhly úspěchu. Sofonisba Anguissola, Judith Leysterová, Adélaïde Labille-Guiardová namalovaly několik autoportrétů, včetně verzí, které zdůrazňují jejich profesi.
Sofonisba Anguissola
Italská malířka Sofonisba Anguissola (asi 1532–1625) byla jednou z mála profesionálních malířek v Evropě 16. století. Narodila se ve šlechtické rodině a jejími prvními klienty byli především příbuzní; malování učila i několik svých sester. Domácí témata byla pro malířku snáze dostupná, protože ženy měly omezené možnosti, kam mohly chodit a s kým se mohly stýkat.
Raná mistrovská práce Anguissoly, Šachová partie, na které jsou tři z jejích pěti sester a služka. Její dílo, úspěšné a slavné již za jejího života, vyniká realistickým zachycením osobnosti a emocí portrétovaných osob.
Jedním z žánrů, kterým se Anguissola důkladně věnovala, byl autoportrét. Vytvořila nejméně 12 děl, přičemž se předpokládá, že jich vzniklo ještě dalších sedm, které jsou však dnes ztraceny. Některé kompozice ji zachycují při čtení nebo s hudebním nástrojem, což jsou atributy, které by divákovi prozradily, že jde o kultivovanou dámu.
Anguissola je totiž známá tím, že do portrétů umisťuje předměty, které o portrétované osobě prozrazují důležité informace. Její autoportrét z doby kolem roku 1556 je jedním z jejích nejpozoruhodnějších obrazů a zobrazuje ji při malování. Je to jeden z prvních autoportrétů, na němž je malířka zobrazena vedle malířského stojanu.
Její autoportrét, který se nyní nachází v polském zámeckém muzeu v Lancutu, umožňuje nahlédnout do pracovních postupů umělců v roce 1500. Jak bylo pro toto období typické, její paletu tvoří malá obdélníková deska. Používá paličku, kterou zřetelně drží v levé ruce. Tento nástroj sloužil k opoře dominantní malířské ruky v blízkosti plátna, což umožňovalo stabilní linii.
V reálném životě malovala Anguissola zbožné výjevy. Na jejím autoportrétu u malířského stojanu je vidět, jak maluje obraz Madony s dítětem. Interpretace tohoto zařazení je taková, že propaguje své dovednosti v kategorii náboženských děl.
Anguissola se prezentuje jako sebejistá a sebevědomá umělkyně: Dívá se přímo na diváka. Umělkyně má na sobě jednoduché černé šaty se skromně nařaseným límcem a manžetami. To byl ostrý kontrast k honosným šatům jejích sester v Šachové partii. Zobrazení sebe samé v pracovně vhodnějším oděvu je pro dobové autoportréty netypické. Stalo se tradicí, že umělci, kteří chtěli povýšit své společenské postavení z řemeslníka na člena vyšší společnosti, se zobrazovali v pěkném oblečení. Možná, že Anguissola, která již pocházela z urozeného rodu, neměla pocit, že by si měla cokoli dokazovat. Několik let po namalování tohoto díla se totiž na pozvání španělského krále Filipa II. přestěhovala do Madridu a stala se dvorní dámou jeho královny.
Během svého působení na královském dvoře malovala Anguissola portréty šlechticů; mnoho z těchto děl bylo později připsáno mužskému dvornímu malíři nebo jiným umělcům včetně Tiziana. Kromě toho poskytovala Anguissola královně a jejím dcerám uměleckou výuku.
Po návratu do Itálie žila mezi Janovem a Palermem a věnovala se náboženské malbě. Zemřela ve věku 93 let. Rok před její smrtí ji navštívil vlámský barokní malíř Anthony van Dyck a namaloval její portrét. Jejich rozhovory o malířství později označil za nejvýznamnější v jeho životě.
Judith Leysterová
Barokní umělkyně Judith Leysterová (1609–1660) se narodila v Haarlemu. Již v době svého dospívání byla její tvorba všeobecně respektována. Žila s rodinou v nizozemském městě Vreeland (poblíž Utrechtu) a ve městě Zaandam (poblíž Amsterdamu), než se na podzim roku 1631 vrátila do Haarlemu. Leysterová se vzdělávala u různých umělců a její styl námětu a energické práce štětcem byl silně ovlivněn slavným haarlemským portrétistou a žánrovým malířem Fransem Halsem.
Její dílo bylo ceněno do té míry, že jí bylo uděleno členství jako nezávislému mistru v cechu svatého Lukáše v Haarlemu. Kromě toho měla i několik uměleckých žáků.
Leysterová se specializovala na portréty, často veselých jednotlivců nebo malých skupin, a malovala také zátiší. Hvězdou nizozemských sbírek Národní galerie umění je její Leysterův autoportrét z doby kolem roku 1630. Stejně jako na autoportrétu Anguissoly se Leysterová sebevědomě zobrazuje při práci. Její pohled se střetává s pohledem diváka, zatímco v pravé ruce svírá štětec. V levé ruce má dřevěnou paletu, bílé malířské plátno a svazek přibližně dvaceti štětců.
Její póza je nenucená. Její pravá ruka se opírá o opěradlo židle, a tak se zdá, jako by ji divák vyrušil z malování. Nedokončené plátno na jejím stojanu zobrazuje hráče na housle. Vědecká analýza odhalila, že původně Leysterová namalovala portrét ženy, pravděpodobně autoportrét, než přešla k obrazu žoviálního hudebníka. Tato druhá postava pochází z jejího plátna Veselá společnost z doby kolem roku 1629, které sklidilo chválu, a podtrhuje její dovednost malířky žánrových scén.
S neformální atmosférou autoportrétu kontrastuje formální oblečení Leysterové. Má na sobě módní černo-růžové šaty s extravagantním krajkovým volánem. Ty jsou pro malbu nanejvýš nepraktické, ale typické pro parádu, která je na autoportrétech běžně k vidění. Specifický styl jejího límce a čepce pomohl badatelům datovat toto dílo.
Po svatbě přestala Leysterová malovat svým jménem. Předpokládá se, že pokračovala ve spolupráci se svým manželem. Po její smrti byla její díla nesprávně připisována Halsovi nebo jejímu manželovi, který byl rovněž Halsovým stoupencem. Teprve v roce 1893 byla „znovuobjevena“ umělecká identita Leysterové ze 17. století.
Adélaïde Labille-Guiardová
Francouzská malířka Adélaïde Labille-Guiardová (1749–1803) spojovala ve své tvorbě rysy rokoka a neoklasicismu. Významná umělkyně před Francouzskou revolucí se narodila jako dcera pařížského obchodníka. Její umělecké vzdělání začalo u miniaturisty. Poté se učila u pasteláře a následně absolvovala výuku u historického malíře a portrétisty, kde pracovala na plátnech v plném měřítku.
Ačkoli Labille-Guiardová dávala přednost pastelu, stala se vynikající malířkou olejů a je známá především svými portréty. Jejími nejvýznamnějšími mecenáši byli panovníci; byla oficiální malířkou dvou tet francouzského krále Ludvíka XVI., Mesdames Adélaïde a Victoire. Několik Labille-Guiardových obrazů a jejich pastelů, například plátno Madame Adélaïde, je dodnes součástí sbírek Versailleského paláce.
Labille-Guiardová byla v roce 1783 poctěna řádným členstvím ve Francouzské královské akademii. Byla jednou z pouhých čtyř žen, kterým bylo v té době umožněno vstoupit do akademie. O dva roky později namalovala své nejvýznamnější dílo: autoportrét se dvěma žačkami, Marií Gabrielle Capet (1761–1818) a Marií Marguerite Carraux de Rosemond (1765–1788). Tento nádherný obraz, který je součástí sbírek Metropolitního muzea, je ukázkou její technické zručnosti a angažovanosti ve výuce malířek. Byl představen na Salonu toho roku, kde byla pravidelnou vystavovatelkou, a setkal se s pochvalným přijetím kritiky.
Obraz je odvážný svou formou i poselstvím. Jedná se o velký portrét v celé délce, na němž je zachycena Labille-Guiardová držící paletu, štětce a paličku. Po její pravici je krabice s barvami. Sedí před svým stojanem a za ní stojí dvě žákyně. Jedna z nich se dívá na stojan, zatímco druhá hledí na diváka. Autoportréty umělců v 18. století pokračovaly v praxi zobrazování nepraktického elegantního oblečení. Labille-Guiardová má na sobě honosné pastelově modré hedvábné šaty zdobené svůdnými krajkami a mašlemi. Shodná stuha a peří zdobí její slaměný klobouk se širokou krempou. Modrá látka jejích šatů se odráží v parketové podlaze.
Labille-Guiardová se v tomto díle věnovala zejména zkoumání účinků světla a stínu a také složitým kompozicím. V Metropolitní muzeum umění vlastní vzácnou přípravnou kresbu k tomuto obrazu, křídovou studii hlav žáků. Toto dílo je příkladem její technické zručnosti při zachycování těchto prvků.
Moderní badatelé někdy interpretují námět jejího obrazu jako prohlášení, v němž se zasazuje o to, aby se více žen vzdělávalo v umění a mohlo vstoupit na Akademii. Ačkoli Labille-Guiardová dostávala královské zakázky, chovala republikánské přesvědčení. Během revoluce zůstala ve Francii a dostala několik zakázek od představitelů nové vlády. Akademie byla uzavřena v roce 1793, ale pozdější umělecké organizace ženy nepřijímaly.
Do konce života byly výstavy Labille-Guiardové z velké části ignorovány. Dnes je její autoportrét s žáky oblíbeným dílem v Metropolitní opeře, která jej uvádí jako „jeden z nejpozoruhodnějších obrazů ženského uměleckého vzdělávání v raně moderní Evropě“.
Mistrovské autoportréty Anguissoly, Leysterové a Labille-Guiardové jsou všechny řazeny mezi nejlepší díla. Ačkoli je dělí několik staletí, všechny tři umělkyně strávily určitý čas jako pedagožky a do svých autoportrétů promítají důvěru ve své kariéře a zdůrazňují nástroje svého řemesla. Obrazy každé z nich, které překonaly chybné atribuce, jsou dnes v držení a ceněny v muzeích světové úrovně.
–ete–
